La semana pasada comenté aquí –como alternativas para disfrutar en casa– cuatro cintas musicales relativamente recientes, ejemplo del tan bienamado género. En cuanto a la columna de hoy, como una suerte de “extensión”, propongo ahora cinco films que no son genéricamente musicales, pero cuyos argumentos tienen que ver con músicos o con la música misma, en la vertiente que sea. Los presento en orden alfabético.
Balada de un hombre común (2013), de Ethan y Joel Cohen. 1961; Llewyn Davis se gana la vida cantando folk en bares de poca monta del Greenwich Village. No le va bien, no tiene dinero y deambula amargado, resentido con la vida. Le acompañaremos a lo largo de una semana apabullante, que inicia con una soberana paliza (después de una limpia ejecución de Hang me, oh hang me) y termina con otra parecida. Película imprescindible acerca de tener sueños y de no acertar en las decisiones correctas para alcanzarlos. Llewyn Davis es cada uno de nosotros (o la mayoría), aferrados a la certeza de lo buscado, pero enfrentados con un mundo al que eso le importa poco. Primera cinta de los Coen en la que nadie muere, con una pizca más de ternura y una pizca menos de cinismo…y de violencia.
Cisne negro (2010), de Darren Aronofsky. Nina, tímida bailarina de una compañía de ballet del Lincoln Center, recibe la oportunidad estelar en una moderna versión de El Lago de los Cisnes. Perfecta para el cisne bueno, carece de la personalidad requerida para el cisne negro. Tantas encrucijadas y presión rebasan a la frágil Nina, acentuadas por la llegada de otra bailarina, de ambiguo comportamiento. Así, su obscuro alter ego irrumpe en escena (y en el escenario) para poner las cosas en orden, desde la obsesión de siempre: la perfección artística. Apasionada historia de egos y rivalidad, Cisne negro no es una mera película “sobre ballet”; es además un intenso melodrama, claro en su contexto –el ultra exigente arte profesional– pero cuyo texto no aparece resuelto, ni cerrado, ni concreto, por el director. Su universo es un omnipresente juego de espejos, que fusiona y distorsiona todo eso dual que los espejos devuelven; en especial, lo relativo a realidad-recreación.
Érase una vez una canción (2007), de John Carney. El encuentro (en las calles de Dublin) y creciente amistad de un aspirante a cantautor con una inmigrante checa pianista. La música los une, igual que sus encrucijadas íntimas y sus búsquedas personales. Una pequeña gema sobre una historia de amor atípica, pero genuina. Falling slowly, escrita para el film (¡por sus dos protagonistas!), ganó el Oscar a mejor canción original.
La familia Belier (2014), de Eric Lartigau. Una chica –cuyos padres y hermano son sordomudos– tiene un notable don para el canto. Muy complicada, pues, la convivencia de ambas realidades sin consecuencias. Entre la comedia y el melodrama –decantándose al final por el segundo– la cinta muestra a sus personajes con el matiz adecuado: el de seres cotidianos, transparentes, imperfectos, que sin lamentos asumen las circunstancias justo como base de su unión familiar y de sus respectivos alcances. Una historia sensible (no sensiblera), de actuaciones precisas y hermosas canciones.
Whiplash (2014), de Damien Chazelle. Ofrece la extraña, muy áspera, relación de un joven aspirante a baterista, con un profesor cruel –brutal a veces– de la Academia de música en la que estudia. Película en la que todo parece acertado: las disyuntivas, las implicaciones, los giros y las resoluciones, con base en las dos soberbias actuaciones protagónicas (de Miles Teller y J.K. Simmons). La música y la búsqueda de perfección son un pretexto; el asunto principal es el de forzar los límites: si se vale o no, cómo hacerlo, hasta dónde y con qué intenciones. Whiplash es al mismo tiempo ágil, tensa y elocuente, además de que no sucumbe a la tentación de una “postura” concluyente. De ahí su final relativamente abierto, que bien corresponde a (y redondea) una película fascinante.
